Новости


Подписаться на новости


16.05.2019

Сергей Жилин: «Я на стороне музыки»

Пианист, дирижер, бэнд-лидер и аранжировщик, заслуженный артист России Сергей Жилин – вне всяких сомнений знаковая фигура российского джаза. С его именем знакомы если не все, то миллионы зрителей России. Ежегодно он дает более 20 различных концертов только в одной Москве, а в регионах – более 50. В нынешнем концертном сезоне заключительным музыкальным вечером, который Маэстро представит в столице, станет программа из цикла «Упоение джазом» в «Москонцерт-Холле» 23 мая. Зрители уже предвкушают музыкальные сюрпризы: а иначе у Сергея Жилина и его «Фонограф-Джаз-Бэнда» не бывает. «Фонограф» – единственный коллектив в России, способный исполнять музыку практически во всех возможных направлениях: от классики до рока, от традиционного джаза и блюза до фанка и фьюжн, от симфоджаза до эстрады.

- Что вы считаете максимально важным в Вашем становлении как музыканта?

- В моем понимании становление – это совокупность нескольких аспектов: работы, регулярных занятий, которые влекут за собой постоянный рост и совершенствование; а также знакомство с работами и достижениями моих коллег – как у нас, так и за рубежом. Концентрация определенного опыта в проекции на свое творчество. И конечно, в определенные периоды жизни встречались люди, которые, безусловно, оказывали большое влияние и содействие: Раймонд Паулс, Юрий Саульский, Юрий Маркин, Игорь Бриль, Борис Фрумкин и многие другие.

- А как возникла идея создания такого многопрофильного оркестра?

- В далеком отрочестве у меня была мечта создать такой коллектив, который бы приехал в тот или иной город – и сразу дал 2, 3 или даже 4 концерта с разными программами. Идея, конечно, утопическая, так нельзя делать. Тем не менее, она так или иначе реализовалась в том многообразии стилей, в которых мы работаем. Помимо работы в крупных телепроектах у нас существует множество собственных концертных программ, которые являются совершенно разными и по фактуре, и по стилистике. Например, есть акустические «Чайковский in jazz» и «Посвящение Оскару Питерсону», есть «Let It BEatles!» - комбо-бэнд с электронными инструментами, который представляет творчество легендарной группы в абсолютно разных стилях сразу. Или наша новая программа из цикла «Упоение джазом», которую мы представим 23 мая в «Москонцерт-холле», – это неожиданное сочетание современного джаза, боссановы и фанка.

Возможность не играть в течение года одни и те же 25 произведений – это дорогого стоит. За месяц у нас может быть по 7-8 совершенно разных концертов. Плюс занятость на съемках, где огромное разнообразие музыкального материала. Все это не дает заигрываться и держит в отличном творческом тонусе. Многообразие музыкальных направлений открывает новые горизонты – а нам всегда хочется расти и развиваться. Для нас нет препятствий и границ – и это музыкальное счастье.

- Какой из стилей ближе лично Вам?

- В целом мне все интересно! Сегодня ты играешь свинг или диксиленд, завтра бибоп или фанк, а послезавтра – афро-кубинский и иберо-американский джаз. Всегда очень любопытно изучать ранее неизвестные с исполнительской точки зрения стили. Что касается моих личных предпочтений – мне ближе всего бибоп и джаз-рок.

- Многие музыканты делятся на две категории: одни «сражаются» за чистоту своего жанра, другие же, напротив, с удовольствием участвуют в различных совместных проектах. Вы на чьей стороне?

- Я на стороне музыки. Чистота жанра – это понятие очень важное, но весьма субъективное. Она отчасти зависит от уровня профессионализма того человека, который радеет за эту чистоту, поэтому у каждого она может быть немного разной. Что касается смешения стилей – это замечательно! Но только в том случае, если человек, который смешивает эти стили, очень хорошо знаком с чистотой жанра каждого из них! Тогда получается хороший фьюжн.

- В одном интервью Вы сказали сказали: «Зрители должны думать, что артистом быть легко!» Почему Вы так считаете?

- Я действительно убеждён в этом. Приходя на концерт или спектакль, зритель хочет увидеть игру, представление – иными словами, чудо. Но никак не труд. Зритель хочет получать удовольствие и положительные эмоции – напряжения ему и в реальной жизни хватает. И это высшая степень профессионализма – делать все легко, естественно, будто этому не предшествовали многочасовые репетиции. Публика в зале не должна задумываться о том, как делается тот или иной номер или спектакль.

- Нужно ли на ваш взгляд воспитывать музыкальные вкусы аудитории?

- Если мы не хотим скатиться до музыкального уровня «Ласкового мая», который состоялся как супер бизнес-проект, но вот к музыке не имел никакого отношения, тогда, конечно, надо воспитывать. И в первую очередь – нужно быть образованными и воспитанными на хорошей музыке тем, кто собирается просвещать зрителей.

- Недавно вы выступали в качестве члена жюри смотра-конкурса детской «Спасской башни», который проходил в рамках большого фестиваля. Какие впечатления остались от участников? Как вы считаете, насколько важно привлекать юных музыкантов к профессиональным фестивалям?

- Культура духовой музыки внедряется в массы – и это очень здорово! На этом смотре были представлены коллективы из разных городов центрального федерального округа, из некоторых приезжал не один оркестр, а два или даже три. Коллективы разного уровня подготовки, но все очень яркие, интересные. Ребята горят своим делом, стараются – это отрадно видеть и слышать. Были ярчайшие номера! Неожиданно коллектив из маленького города Ступино показал такое потрясающее чувство свинга, что произвело неизгладимое впечатление!

Конечно, очень важно привлекать начинающих музыкантов к таким большим проектам: они видят цель и реализацию своей работы, это отличная мотивация.

- Считаете ли вы, что конкурсы – важная составляющая профессионального роста детей, которые занимаются музыкой?

- Да, безусловно. Конкурсы, с одной стороны – дело неблагодарное, с другой - нужное, и любому артисту и музыканту необходимо проходить через эти перипетии. Конкурсные условия создают непростую ситуацию: участники отдают себя во власть субъективного, так или иначе, мнения жюри. Но что гораздо важнее – это участие: познакомиться и пообщаться с другими исполнителями, узнать, что делают твои коллеги, попробовать свои возможности. Победа несомненно приятна, но проигрыш подчас имеет гораздо более продуктивное значение: нужно проанализировать ситуацию, сделать выводы и в следующий раз, принимая во внимание прошлые ошибки, выйти на сцену гораздо более подготовленными. А для тех, кто побеждает, важно не расслабляться: если ты стал по жизни обладателем каких-то достижений, то следующий твой шаг должен быть соответствующим, а желательно и более значимым. Любой результат должен мотивировать к профессиональному развитию.

- Что сейчас для вас самое интересное в мире российской и мировой музыки? И джаза в частности. Следите ли вы за новыми тенденциями  в современной джазовой музыке?

- Конечно, стараюсь следить. Любопытно год от года наблюдать за номинантами «Грэмми»: как меняются тенденции, насколько мнения жюри совпадают с мировыми музыкальными рейтингами. Не могу не отметить, как активно развивается джазовое сообщество у нас – Россия, на мой взгляд, уже с уверенностью претендует на звание джазовой страны. Мы уже пришли к тому, что джаз стал мейнстримом. Очень много в зале молодежи, и это не может не радовать. То самое смешение стилей, о котором мы говорили выше, этому благоприятно способствует

Так сейчас мы готовимся к участию в юбилейном, пятом Форуме молодых деятелей культуры и искусств «Таврида 5.0». В прошлом году наша «Школа джаза Сергея Жилина» работала в смене «Лето, джаз, рок-н-ролл», а в этом году мы будем сотрудничать с рэп-сменой. Казалось бы, неожиданное сочетание! На самом деле ничего удивительного: многие историки джаза обращают внимание на то, как поразительно развитие рэпа напоминает эволюцию джаза – как стилистически, так и практически. Родился даже полноценный жанр – джаз-рэп, ритмы которого были взяты из хип-хопа, а сэмплы и звуковые текстуры – из кул-джаза, соул-джаза и хард-бопа. Как сплав культур разных народов, джаз легко вбирает в себя новые направления, и рэп его ближайший «коллега».

То, что сейчас является одним из популярных веяний – рэп, хип-хоп – все началось из джаза, мы это покажем, расскажем, аргументируем и проведем с ребятами мастер-классы. Собираемся даже сделать что-то совместное с нашими коллегами по рэп-смене из других школ.

- А растет ли вместе с этим количество талантливых детей? Вы часто бываете в регионах. Насколько уровень исполнителей в провинции отличается от уровня столичных музыкантов? Согласны ли вы с тем, что все успешные музыканты стремятся в Москву?

- Можно сказать, что все перспективные и успешные музыканты куда-то стремятся: сначала в областные города, потом в города-миллионники, потом в Санкт-Петербург или в Москву. А если их амбициям станет тесно в России, они устремятся в Мюнхен, Нью-Йорк Йорк или Лос-Анджелес. Все это легко объяснимо: если растет потенциал, нужно находить возможности его реализации.

Мне кажется, что в целом уровень молодых музыкантов растет. Когда я приезжаю в регионы, всегда стараюсь совмещать концерты с какими-то встречами, мастер-классами. Можно подумать, что это мне там показывают таких хороших, интересных исполнителей. Но у меня есть свой региональный детско-юношеский эстрадно-джазовый конкурс «Фонограф-Дебют», который мы уже три года проводим в разных городах. И могу с уверенностью сказать, что с каждым годом уровень заявок повышается, количество победителей растет. Что очень важно, мы не просто выписываем дипломы лауреатов, но даем юным музыкантам сертификаты на занятия в нашей творческой студии эстрадно-джазового искусства «Фонограф» в Москве. А самых ярких ребят приглашаем на ежегодный гала-концерт в Московском международном Доме музыки.

- Какой совет вы даете юным музыкантам? Что нужно делать начинающему таланту, чтобы достичь профессиональных высот?

- Работать, работать и еще раз работать. Но, даже достигнув какого-то определенного уровня, важно не останавливаться, а продолжать развиваться. Подготовка высокопрофессионального исполнителя – это, безусловно, как подготовка чемпиона сначала городских, потом всероссийских, потом олимпийских игр. Профессиональная музыка – такой же спорт. Заниматься нужно по 5-6 часов в день – это в среднем, можно и больше. Без регулярной нагрузки мастерство не сохранить. Поэтому совет абсолютно для всех, не только начинающих, музыкантов: работать! Чем я прямо сейчас и пойду заниматься.

Информация предоставлена

ГБУК г. Москвы «Москонцерт»

16.05.2019



← интервью

Ольга Панюшкина

Выбери фестиваль на art-center.ru

 

Афиша + билеты

Афиша + билеты

 
 
« Сентябрь »
 
  
ПнВтСрЧтПтСбВс
       1 
 2345678 
 9101112131415 
 16171819202122 
 23242526272829 
 30       

Подписка RSS    Лента RSS


Все афиши






афиша

 

 
Рассылка новостей