Современные молодые композиторы пишут не только электронную музыку или камерные квартеты, но и не боятся «старомодного» жанра – берутся за оперы: определенно, при наличии такого энтузиазма перспективы у него все же есть!

Почтенной гранд-даме Опере пошло уже пятое столетие: возраст более, чем солидный. За истекшие четыре века смерть ей предрекали неоднократно. Спасать пытались тоже не единожды: вспомним великих реформаторов жанра разных эпох – Глюка, Вагнера, Берга. 

Несмотря на то, что опера – жанр, «приговоренный к смерти» философами от музыки, бренд «опера» - всё ещё очень модный: какие только диковинные опусы сегодня не называют операми! Даже такие, в которых вообще не поют, да и музыкальных звуков в классическом понимании нет: вспомним «Носферату» Курляндского или «Снегурочку» Маноцкова. Или поют так, что пением это назвать сложно – скорее звукоизвлечением: пятичастный сериал «Сверлийцы» или «Октавия» того же Курляндского тут яркое доказательство таких поисков. А рождаются ли сегодня оперы, более привычные нашему слуху и пониманию – такие, где есть место пению, академическому вокалу, интересной мелодике, традиционным оперным формам? Да, безусловно: и такое нынче случается, на самом деле не так уж и редко.

На композитора Алину Подзорову автор этих строк впервые обратил внимание пять лет назад: тогда в рамках второго фестиваля музыкальных театров России «Видеть музыку» в Театре Станиславского и Немировича-Данченко работал проект «КоОPЕRАция» - лаборатория молодых драматургов и композиторов. Именно так, заковыристо, писалось его название, в чем проявился авторский креатив и одновременно многозначность выбранного термина – тут «спрятаны» и идея сотрудничества, и отсылка к оперному жанру. Его «толкачами» стали оперный режиссер Екатерина Василёва и музыковед Наталия Сурнина. Лаборатория провела оригинальный конкурс, когда объединялись молодые композиторы и литераторы (выступавшие в качестве либреттистов), которые должны были в заданных параметрах сочинить оперное произведение. Участникам были поставлены условия: задан состав инструментального ансамбля, хронометраж (14 минут) и количество солистов (не больше трех). В итоге на суд публики было вынесено восемь новых опусов, которые были представлены в один вечер (общий хронометраж вполне позволял) на малой сцене МАМТа: скорее, не оперы, а оперные эскизы.

Одним из таких эскизов была работа А. Подзоровой – ее мини-опера «Апноэ». Спустя три года «Апноэ» была явлена уже в полноценном формате – в виде продолжительного музыкально-театрального опуса, с развитой драматургией, которое впервые было представлена в новомодном пространстве «Люмьер-холла» на территории дизайн-завода «Флакон» в режиссуре все той же Василёвой: получилось просто замечательно – современная по средствам выразительности и музыкальному языку, по избранной тематике, по своим эстетическим устремлениям, но все же, тем не менее, именно опера без всяких сомнений, сочиненная с хорошим знанием и пониманием законов жанра.

Нынешний год подарил встречу с новой работой талантливого композитора. В Рахманиновском зале Московской консерватории в рамках абонемента «Волшебные звуки сказок» москвичи могли познакомиться со сказочной оперой «Принцесса и свинопас» по знаменитой сказке Ганса Христиана Андерсена. Либретто написано Наталией Кайдановской совместно с автором музыки, а театральным воплощением занялась режиссер Мария Фомичева. В проекте приняли участие вокальный ансамбль «Arielle» (худрук Эльмира Дадашева) – коллектив отвечал за хоровую часть партитуры, а также выполнял функции оперной массовки, поскольку режиссер вменила ему множество театральных задач – и оркестр «M.O.St» под управлением Ирины Копачевой-Куровской.

В отличие от фрейдистско-мистической «Апноэ», «Принцесса и Свинопас» - опера гораздо более простая и доступная для понимания, рассчитанная прежде всего на детскую аудиторию (премьерный показ был дневным, на афише стояло «6+»). И ее музыкальный язык более демократичный и менее изощренно-изобретательный: красивые легкие мелодии (среди них, конечно же, узнаваемая всеми цитата народной австрийской песенки – «Ах, мой милый Августин»), повторяющиеся несложные ритмические формулы, постоянно присутствующие элементы танцевальности в музыкальном материале – таким образом, композитор создает настроение и атмосферу светлой сказки XVIII века, когда из одного королевства в другое можно было дойти пешком, а короли лично отпирали ворота своих замков (что в «Свинопасе», что в другой сказке великого датского рассказчика – «Принцессе на горошине»). У «Свинопаса» Подзоровой и финал – светлый: Андерсен свою принцессу проучил «окончательно и бесповоротно», оставив в итоге «у разбитого корыта», русский же композитор предпочла счастливый конец – Принцесса, несмотря на свою капризность, все же по-настоящему любима Принцем-свинопасом, и, получив урок на всю жизнь, она, пусть, может быть, и не вполне заслуженно, но обретает личное счастье.

В опере сохранена своего рода литературоцентричность: к сожалению, не все перенесено-переплавлено в активное сценическое действо. Одним из главных героев оказывается Рассказчик (видимо, это сам Андерсен, судя по черному цилиндру), у которого солидная вокальная партия: в своих речитативах он многое комментирует и разъясняет публике, что несколько снижает динамизм, изначально заложенный в партитуре. Зато найдено превосходное и музыкальное, и театральное решение образам Розы и Соловья – по-настоящему поэтическое, возвышенное: первую изображает балерина, соответственно, музыкально этот символ красоты охарактеризован через утонченную танцевальную музыку, второго – колоратурное сопрано, через чудесные виртуозные пассажи которого публика может ощутить чудо соловьиных трелей.

Несмотря на камерный формат оркестрового коллектива и студийные условия реализации оперы, не всегда удалось найти верный звуковой баланс между пением и инструментальным сопровождением: возможно, виной тому – особенности акустики Рахманиновского зала (идеальные для камерного пения и хоров, но совсем не очевидные для оперы), возможно – неопытность юных вокалистов (Принцесса — Екатерина Баканова, Соловей — Александра Королёва, Принц-свинопас — Денис Гилязов, Рассказчик — Игорь Витковский, Король — Кирилл Логинов): из них были наиболее убедительны и более других понравились тенор Гилязова и колоратура Королёвой.

Условия РЗК совсем не театральные, полноценный спектакль на этой сцене сотворить не просто. Тем не менее, режиссер Мария Фомичева попыталась сделать максимум возможного: задействовала не только сцену, но и пространство зрительного зала, и галерею балкончиков по его периметру – Король и его придворные носятся во всех направлениях. «Старинные» костюмы, в которых превалировал красный цвет, взяли на себя всю сценографическую нагрузку – впрочем, классицистский антураж Рахманиновского зала, его воздушная белоснежная «барочная» лепнина, очень подходили для контекста рассказываемой истории. Диковинные приманки, которыми завлекал Свинопас-искуситель недалекую Принцессу, в версии Фомичевой получили музыкальное решение – в этом качестве выступили звуковоспроизводящие приборы прошлых эпох (граммофон, патефон), конечно, предметы-метафоры (ведь их не могло быть во времена Андерсена), подчеркивающие связь времен и изначальную музыкальность всей истории.

Милая история, рассказанная Алиной Подзоровой и командой постановщиков, настраивала пришедших в Рахманиновский зал на явный позитив: хотелось бы поскорее увидеть воплощение новой оперы не в консерваторско-студийно-антрепризных условиях, а в профессиональном музыкальном театре – сочинение вполне того достойно.

Александр МАТУСЕВИЧ

Фото Э.Матвеева предоставлены пресс-службой
Московской государственной консерватории